《全国钢琴演奏考级作品集（新编第二版）》解析（十六）_常桦.pdf

B项：小奏鸣曲（第一乐章，王立平）这是一首欢快、生动的中国小品，作曲家王立平运用娴熟的技巧，将中国方言中诙谐、幽默的语感以音符的方式呈现出来。采用了奏鸣曲式的传统结构，包含呈示部、发展部、再现部、尾声等几个快慢间错的段落，这样能使演奏者在一首曲子中体会到不同的情感表达。作品的篇幅不长，既适合在日常教学中选用，又非常适合在舞台上表演，音乐效果十分出色。奏鸣曲式的结构在日常学习中，演奏者除了需要感性地表现外，还需要理性地分析，如果我们将每一个段落都划分清楚，每一个句子都理顺，分段或分句进行练习，相信可以使演奏表现得更有说服力。呈示部，包含了主题与副题两部分，通常这两个部分的音乐是相互对比的，比如这首作品的主题部分（第1至19小节），情绪欢快生动、风趣幽默，音乐性格十分鲜明。而当副题出现时（第20至37小节），音乐就转变为抒情而优美，令人耳目一新（见例1）。例 1 a.主题节选，第 1 至 8 小节考级指南全国钢琴演奏考级作品集（新编第二版）解析（十六）Interpretation of Collection of Piano Works for National Grading Examinations（New Second Edition）文/常 桦55GUIDANCE ON GRADED EXAMINATIONS 考级辅导b.副题节选，第 20 至 25 小节发展部（第38至64小节），这个段落也是作品最重要的高潮部分，作曲家将主题的动机在这里进行发展扩大，特别运用了节奏的手段，将长短不同的节拍组合起来，使音乐显得非常具有动感，自然而然就进入高潮。再现部（第63至106小节），这个部分的音乐可以说是“既再现又变化”，变化主要出现在副部（第84至106小节），在副部的结尾采用疑问的语气，用一个没有“解决”的和声与延长音，使音乐留下一个悬念，并由此引出尾声（见例2）。例 2第 101 至 106 小节尾声（第107小节至结束），这是一个热烈的结尾，声音由弱到强，音符也越来越密集，可以演奏成一个非常顺畅、潇洒的结尾。奏法 作品中不同的段落有着截然不同的性格，弹法也各不相同，有时跳音很多，有时要歌唱连奏。要想弹得有滋有味首先就要分清哪些音连奏，哪些音是跳音（见例3）。例 3第 13 至 19 小节在以上谱例中，这些奏法仅仅是个人建议，虽然作曲家并没有特别指出该连奏还是跳音，但是我们可以根据前后的音乐线索来判断具体奏法，不妨多尝试、多比较，看看哪一种弹法更有效果。比如第13至14小节，它的结构和开头第1至2小节一模一样，因此，可以参照第1至2小节的奏法来弹奏。再看看副题，它从第84小节开始，音乐性格转变为抒情而流畅，弹奏这样的旋律手指要“慢下键”，歌唱地触键，避免敲打。同时，还要注意乐谱上的连线，连线有长有短各不相同，它们代表着呼吸和语气，弹奏时应该按照连线来呼吸（参看例1呈示部的副题部分）。节奏 节奏是音乐中一个重要的手段，这首作品的节奏生动鲜活，作曲家运用了大量的后半拍、切分音，多出现在左手声部，在弹奏时可以单独练习左手，体会节拍的韵律感。比如在发展部中，作曲家采用了两组中国民间特有的锣鼓节奏，非常有特点（见例4）。例 4 a.第 38 至 41 小节562023/1 钢琴艺术 PIANO ARTISTRYb.第 54 至 57 小节C项：圆舞曲（Op.9，No.1，里亚多夫）这是一首非常典型的浪漫主义时期作品，这个时期的作品最受大众欢迎，因为它们拥有动听的旋律与优美的和声，富有诗意、情调，极易触动听者的内心。这类音乐对于培养大众的艺术修养十分适合，它可以丰富艺术的感知力和想象力。触键 这首作品是抒情、温柔的格调，触键需要“慢下键”，柔和地弹奏。弹奏时，掌关节的控制最重要，它像一个“发动机”，演奏中无论快触键或慢触键都由它控制，要管住手指，不要随意地敲打。下键时，还需注意大臂的力量不能空洞，发力始终要从大臂开始，让声音柔和而不空洞。此外还要注意指尖的触觉，当臂力传到指尖时，指尖站稳，不要压得太紧。层次 这首圆舞曲是多声部结构，上下共有四个层次，其中右手的声部一目了然，如第9至12小节，弹奏时要弄清楚该强调哪一个声部。而左手的声部更复杂一些，有时旋律线条是隐藏起来的。比如左手每小节是一个独立的和声，其中的第一拍是非常重要的，第一拍的音就是和声的根音，不可或缺，弹奏时耳朵始终要听到根音。同时，如果我们将所有的第一拍拿出来并连接起来，就会发现它们是一条隐藏的完整的旋律线，因此，可以说左手的第一拍是低音声部，它是有完整句子感觉的，而第二、三拍则是中间声部，要弱奏。例 5第 1 至 8 小节节拍 浪漫主义时期的作品有许多区别于其他时代作品的特征，它的节奏、触键、句法等与古典主义时期、巴洛克时期的演奏区别很大。比如这首圆舞曲，它的节奏就不能太机械，音乐中不要听到僵硬的节拍，节拍应该随着乐句的起伏来变化。通常，句子的情绪比较激动、需要渐强、或向前推动，这时节拍就会不由自主地紧凑起来，将音乐推向高潮；而当高潮过后，音乐渐弱、情绪松弛下来，这时的节拍也随之舒缓并稍稍渐慢。这样的节奏处理被称作“自由节奏”（Rubato），经常出现在浪漫派作品中。不过，在演奏中如何掌握自由节奏的分寸是最为重要的，不能做作或唐突，音乐应该是既生动又自然的感觉。此外，作曲家在乐谱上还标注了关于节奏的几次提示，让我们一起来看看：第1小节中速（Moderato），这是主题段落，速度并不快，升f小调的旋律多少带有忧伤之感，乐句线条比较长，节拍要自然而流动。第17小节更活泼（Pi mosso），这里是乐曲的中段，A大调，大调的音乐色彩比小调明朗很多，乐句也稍微短小一些，更符合轻松活跃的感觉。演奏时，我们应该更注重情绪的变化，而不是关注速度，速度只可以轻微调整。57GUIDANCE ON GRADED EXAMINATIONS 考级辅导例 6第 17 至 24 小节第57小节回到第一段速度（Tempo I），这是再现段落，音乐又陷入了忧伤的情调之中。第73小节更活泼（Pi Mosso），尾声段落，多声部编织起来的音乐如梦如幻，时远时近，最后带着美好的回忆渐渐消失。（待续）作者信息：中央音乐学院钢琴系主义时期应该这么做，不可以那样做；作曲家会这样记谱，那样记谱的意思又是什么好像定下了非常多规矩，有些和今天的现代钢琴演奏方式与音乐审美一致，有些可能不一致。在系列的结束处，笔者突然想说，这些东西异常重要，但是，其实也没有那么重要。所有规则和审美选择等，最终也要臣服于音乐的美。美，才是第一位的。不要为了套进规则，对听觉上明显的别扭不管不顾。而且，不知道文章对面的你发现了吗？其实历史上很多问题本来就没有统一答案，不同年代、不同国家、不同作者之间的处理方法甚至是对立的。笔者也常和自己的学生说，如果想要弹出符合时代风格的音乐，需要很仔细地研读乐谱，挖掘出作曲家留在谱面上的一切细节，这是做加法。但如果想要演奏出真正美的音乐，是在做完了加法后，开始忘掉一切，做减法的时候。音乐不是做题，最终要相信自己的耳朵，尤其是逐步掌握了时代风格语言之后。在连载文章的这两三年中（第一篇在2020年5月），有更多的早期钢琴音乐会出现，国内也有了更多的早期钢琴，有更多人愿意接触并且接受这种古老却又新鲜的事物了。乐器是载体，承载了古典风格，演奏了历史时光中的那段美。这种美和我们的距离并不遥远，她可以很近，当然还可以再近一些。（全文完）参考文献1.Carl Philipp Emanuel Bach,Essay on the True Art of Playing Keyboard Instruments,W.W.Norton&Company,1949.2.Daniel Gottlob T rk,School of Clavier Playing,University of Nebraska Press,1982.（上接第42页）582023/1 钢琴艺术 PIANO ARTISTRY